Solucionados los más y los menos entre artistas, galeristas e IFEMA, que hasta el pasado lunes pusieron en peligro la celebración de ARCO 2010, ayer pudimos disfrutar de su 29º edición.
Hasta el 21 de febrero galeristas, coleccionistas y profesionales del arte de todo el mundo mostrarán las nuevas tendencias del arte contemporáneo con una invitada de hornor, la ciudad de Los Ángeles (EE.UU).
Emplazada en los Pabellones 6, 8 y 10 de IFEMA (entrada norte) el público general podrá acceder desde el viernes 19 para contemplar verdaderas obras de arte, la creatividad y el ingenio de las nuevas tendencias y artistas y galeristas de Los Ángeles.
El programa artístico de ARCOmadrid se articulará en torno a su PROGRAMA GENERAL+ ARCO40. En total, la selección reúne 162 galerías (de las 218 participantes) de reconocido prestigio internacional.
A ellas se suman las propuestas de un equipo de reconocidos comisarios internacionales que conforman las secciones SOLO PROJECTS, PERFORMING ARCO, EXPANDED BOX , así como CINEMALoop un espacio independiente dedicado específicamente al videoarte, realizado en coordinación con LOOP, Feria y Festival Internacional de Videoarte de Barcelona.
Las propuestas de las galerías presentes en ARCOmadrid_2010 permitirán, en definitiva, acercarse a los principales nombres del panorama artístico contemporáneo internacional.
Desde los maestros del arte de Vanguardia, como Picasso, Miró, Gargallo, Vieira da Silva o Duchamp hasta las estrellas más recientes que han alcanzado ya un inmenso renombre en el ámbito internacional, como Damien Hirst, Anish Kapoor o Paul Morrison; pasando por los creadores imprescindibles de la segunda mitad del siglo XX, como Andy Warhol, Lucio Fontana o Thomas Schütte.
Lo mejor del arte de las últimas décadas podrá contemplarse y adquirirse enARCOmadrid.
Visita la página oficial de ARCOmadrid_2010
.
Más actividades Conoce todas las actividades de CaixaForum (entrar)
El diseño y la arquitectura contemporánea de Finlandia estará durante todo noviembre en Madrid con una serie de exposiciones, obras de teatro, cine y jazz de figuras de primera fila de la escena finesa, programación que en algún caso llegará hasta enero.
Bajo el título "Mes del Diseño Finlandés", Martti Pärssinen, director del Instituto Iberoamericano de Finlandia, y el embajador de Finlandia en Madrid, Markku Keinänen, presentaron este evento en una "yurta" -vivienda tradicional de los pueblos nómadas de Asia central- instalada en el Circulo de Bellas Artes de Madrid.
La primera inauguración oficial tuvo lugar hoy en dicha institución con la exposición "OTTO: Entre el diseño y el arte" que reúne una visión pequeña del actual diseño industrial finlandés hasta el próximo 22 de noviembre.
Asimismo fue presentada dentro de la "yurta" las tres piezas teatrales: "Felicidad Ártica" y "Quo Vadis Hamlet" -para el público adulto- y "Salvaré a Mamá" -el infantil-, representada por "Quo Vadis", que es "más una tribu que una compañía", según dijo en entrevista con Efe su director Otso Kautto.
Del 3 al 11 de noviembre en la Sala de Columnas del Círculo de Bellas Artes las obras se desarrollarán entre el interior y el exterior de la "yurta" en el que hay instaladas una serie de esculturas y "site-specifics" -obras creadas para un espacio concreto- de la artista y escenógrafa finlandesa Tuula Nikulainen.
Escenografía realizada con madera y también lana, porque es el "proceso más antiguo del ser humano", dijo en entrevista con Efe la artista, que además usa constantemente cuerdas de lana, en este caso, de color rojo, "que son una metáfora del fluir de la sangre y del alma".
Sobre esta puesta en escena, del interior al exterior de la gran tienda de campaña tradicional mongol, el director Kautto señaló a Efe que es una forma de "preparar un viaje al espectador" en el que "hay pequeños cambios" en su psique durante cualquiera de las obras.
Obras en las que los textos "van a ser recitados en finlandés y castellano" en Madrid para un número limitado de espectadores que caben en la "yurta": "60 adultos ó 90 niños", dijo Kautto, que agregó que espera que "dos de las obras viajen a América Latina".El también escritor apuntó que su compañía experimental, formada con unos 30 actores de primera línea -incluso la hija de uno de ellos de un año y medio-, es la "primera vez que dispone de este número de obras de Tuula Nikulainen" en esta representación.
Por otro lado, el Círculo de Bellas Artes anunció que acogerá el ciclo "Panorámica del cine finlandés" del 5 al 22 de noviembre, en el que se espera la asistencia del cineasta Aki Kaurismäki, según adelantaron los organizadores.
Así como el concierto de jazz del saxofonista Esa Pietilä con su nueva formación "Esa Pietilä 4 Streams Quartet" el próximo 21 de noviembre.
Cabe destacar que el Mes del Diseño Finlandés acercará el concepto del desarrollo sostenible y el uso de la madera a través de dos muestras claves: "Alvar Aalto. Las dimensiones de la madera" y "Alvar Alto. A nuestra medida" para entender el diseño y la arquitectura finés con piezas de su máximo exponente, Alvar Aalto (1898-1976).
Y, ante todo, la exposición "Helsinki Madrid FinDesign" que será inaugurada mañana en el Centro Matadero de Madrid y permanecerá abierta hasta el 10 de enero de 2010 y de la que "se espera que circule por América Latina en el futuro", según informó a Efe el director del Instituto Iberoamericano de Finlandia.
Así como la dedicada a Marimekko, importante estudio de diseño nórdico, que se podrá ver a partir del próximo 5 de noviembre hasta el 13 de diciembre en el madrileño Museo del Traje. EFE
Programa en PDF
.
Un joven Joaquín frecuentaba el Museo del Prado allá por 1882. Afanado en entender a los grandes maestros de la pintura, estudió, copió y ensayó en las salas del museo.
Se interesaba particularmente por Rivera y Velázquez, pero fue este último el que marcó gran parte de la obra de Joaquín, tanto en el simbolísmo de su obra como en el tratamiento de la luz.
Diego Rodriguez de Silva y Velázquez (1599-1660) Hasta la realización de su obra "Los borrachos", Velázquez pintaba sus personajes con contornos precisos y destacándolos claramente de los fondos, sus pinceladas eran ópacas y empastadas.
En su primer viaje a Italia realizó una radical transformación de su estilo. En este viaje el pintor ensayó nuevas técnicas buscando la luminosidad. Velázquez, que había ido desarrollando su técnica en los años anteriores, concluyó esta transformación a mediados de 1630 donde se considera que encontró su lenguaje pictórico mediante una combinación de pinceladas sueltas de colores transparentes y toques precisos de pigmento para resaltar los detalles.
A partir de "La Fragua de Vulcano", pintada en Italia, la preparación de los cuadros cambió y se mantuvo el resto de su vida. Se componía básicamente de blanco de plomo aplicado con espátula, que formaba un fondo de gran luminosidad complementada con pinceladas cada vez más transparentes.
En "La rendición de Breda" y en el "Retrato ecuestre de Baltasar Carlos", pintados en la década de 1630, concluyó este cambio. El recurso de fondos claros y capas transparentes de color para crear una gran luminosidad eran frecuentes en pintores flamencos e italianos, pero Velázquez desarrolló esta técnica hasta extremos nunca vistos.
La paleta de colores que empleaba era muy reducida utilizando en toda su vida los mismos pigmentos. Lo que varió con el tiempo es la forma de mezclarlos y aplicarlos, consiguiendo retratar el aire, la atmósfera del momento y su luz.
Joaquín Sorolla y Bastida (1863-1923) Podemos decir que casi los mismos pasos dió Sorolla hasta su etapa de consolidación (1889-1999) en la que se va alejando del Realismo y el costumbrismo social.
El nuevo siglo marca un adiós a la crítica social y el inicio de la etapa de culminación (1900-1910) donde queda consolidado su estilo pictórico y su fama internacional.
Los cuadros pintados en las playas de Jávea y el Cabañal, en Valencia, o en Biarritz y San Sebastián es donde ese estilo, denominado "Sorollismo" por algunos de sus epígones valencianos, alcanzará su máxima plenitud.
Las anotaciones pintorécas propia de la época desaparecen para dar paso a las pinceladas largas y astilladas, clara influencia de Velázquez, donde la luz es el tema de la obra. Todos los elementos de la composición se bañan en luces y tenues sombras, con recursos como las sombrillas, velas y telas para tamizar la luz por toda la superficie del cuadro.
En este sentido, el término "luminismo" suele emplearse para definir de forma genérica la obra de Sorolla.
Este término, asociado al último impresionismo o neoimpresionismo, se ha utilizado también para caracterizar el estilo de pintores belgas como Emile Claus y Théo van Rysselberghe y de sus seguidores (Jenny Montigny, Anna De Weert, Georges Morren, Gustave De Smet, Frits Van den Berghe, Constant Permeke e Yvonne Serruys), el trabajo de los los primeros puntillistas holandeses como Jan Toorop, Jan Sluijters y Piet Mondrian.
Ambos estilos tienen poco en común. La obra de Emile Claus está próxima al de los grandes impresionistas franceses, especialmente Claude Monet,mientras que los luministas holandeses se caracterizan por la utilización de grandes manchas de color, más cercanos al fauvismo.
Comparten con Joaquín Sorolla este término Teodoro Andreu, Francisco Benítez Mellado o Vicente Castell, entre otros.
A continuación ofrecemos imágenes de aquellas obras más representativas de ambos pintores donde puede apreciarse el uso de la simbología y tratamiento pictórico que, en unos casos Sorolla utiliza como homenaje a Velázquez y en otros demuestran cómo supo interpretar la obra del artísta sevillano.
La absoluta libertad pictórica →
Enlaces relacionados con "Joaquín Sorolla. Ayer y hoy"
. 
. 
. 
. 
. 
. 
. 
En nuestro artículo anterior conocíamos a un Joaquín Sorolla que cosechaba sus primeros éxitos. La cronología de la historia quiso hacer coincidir sus éxitos con los de otras grandes figuras de la época como Julio Verne, H. G. Wells o su amigo y paisano Blasco Ibáñez.
El proyecto Ver Oír Leer incluye muchos acontecimientos que rodearon la vida del pintor y que invitamos a descubrir a través de los enlaces que figuran al pié de nuestros artículos.
El Museo del Prado nos guía ahora hasta la sección '1900: El Gran Prix de la Exposición Universal' que Conoceremos, Sentiremos y Descubriremos a continuación.
"¡Al fin hemos vencido!... Por suerte extraordinaria ha muerto para siempre la España legendaria que orgullo y embeleso de nuestros padres fué... y preparar podemos la antorcha funeraria delante de esa Europa que extática nos ve. [...] Vencimos... y en silencio, sin gritos ni bambolla; vencimos en combate sangriento y desigual llevando por bandera que al enemigo arrolla un bronce de Benlliure y un lienzo de Sorolla; un colorista insigne y un escultor genial."
El realismo social continúa siendo el motivo más utilizado en las obras de Sorolla. A esto se suma el 'realismo de la luz' que le supondrá hacerse con el triunfo en la Exposición Universal de 1900 con su obra "Triste herencia".
Ganador del Gran Prix de los Pabellones de España y Portugal con esta obra, que cerrará su etada de crítica social, el pintor valenciano se consolida como artísta excepcional y marcará el inicio de su reputación internacional.
Otros premiados en la misma categoría en la Exposición Universal de París fueron Klimt, Lembach y Anders Zorn; con este último Joaquín llegará a tener una solida amistad y gran admiración. En Triste herencia puede apreciarse la incursión de Sorolla en los cuadros de playa, con pinceladas sueltas y enérgicas que atrapan la luz, los reflejos y el color del instante.
El periódico valenciano 'La Epoca' publica en su edición del 23 de Julio de 1900: << "El día 29, a las dies de la mañana, previa invitación, se congregarán en las Casas Consistoriales las Sociedades y corporaciones de valencia, y con el Ayuntamiento se trasladarán al domicilio del fotógrafo D. Antonio García, donde esperarán los señores Benlliure y Sorolla, y en nombre del alcalde, les invitará dicha Comisión á que acudan á la Casa de la Ciudad. La comitiva, con los laureados artístas, se trasladará al Ayuntamiento, donde la citada corporación saldrá al pie de la escalera para recibir á los artístas, conduciéndoles con el ceremonial propio de la toma de posesión al salón consistorial". >>
En aquel acto, los dos artístas fueron nombrados hijos predilectos y meretísimos de la ciudad de Valencia. Hubo desfile con banderas y estandartes y banquete en honor de ambos.
La revista "La ilustración Española y Americana" del día 22 de junio de 1900 habla así de Sorolla:
<<"[...] el tirunfo logrado en laExposición Universal de Par´s por el pintor español Joaquín Sorolla, á quien el Jurado de Bellas Artes ha adjudicado la medalla de honor. Esta gloria para el arte español contemporáneo nos enorgullece, pero no nos sorprende. Cuantos conocíamos el talento de Sorolla y el entusiasmo con que desarrolla en la asidua labor sus brillantes aptitudes, esperábamos que sus lienzos de asombroso colorido habrían de llamar poderosamente la atención en todas partes. [...] y cuando han tenido la dicha de admirar su sentido y conmovedor cuadro ¡Triste herencia!, lo conceptúan digno de la supremadistinción que al Jurado de París ha merecido". >>
La revista "Ilustración Artística", fechada en Barcelo el 2 de Junio de 1900, dedica un extenso artículo al pintor valenciano en la pluma del periodísta León Roch:
<< "La buena nueva de la victoria alcanzada en la sección española de la Exposición de París por el gran colorista valenciano, no ha sorprendido, no ha podido sorprender á nadie. A la cabeza de la representación de españa en la pintura figuraba Sorolla, como figuraba Benlliure al frente de los escultores: las cuatro obras que en el gran certamen presentaban eran lo mejor que el arte español había producido en los dos últimos años. El Jurado de parís no ha hecho más que confirmar un fallo justiciero de la opinión. [...] El triunfo de París viene á consolidar la alta reputación del ilustre pintor valenciano, colocándole en las avanzadas del arte universal, entre los grandes maestros extranjeros que antes ó ahora han sido laureados en París. [...] Modesto y sencillo siempre, no codicioso de más títulos que los que en razón y en derecho cree él que merece, este gran éxito no modificará su carácter, no añadirá un sólo átomo de soberbia á la propia creencia del valer justamente tasado, ni alterará en una línea el sistema de su vida de trabajo y aislamiento, fecundísima para el arte, patriarcal en mucho, en mucho también sujeta casi a principios monacales.">>
Estas últimas palabras que transcribimos nos dicen mucho de Sorolla, tanto que es casi imposible mantener la vista en sus obras sin apartarla a un punto no determinado del pensamiento y sentir a Sorolla como persona, como hombre, padre, artista. Este artículo, que merece ser leído integramente gracias a la aportación de la Hemeroteca Digital de la Biblioteca Nacional de España, incluye un retrato del ya consagrado artista que parece mostrar la imagen de un Joaquín con la vista puesta a la luz mediterránea.
Recuerdos de la Exposición Universal de París - 1900
Filmaciones de la Exposición Universal de París - 1900
Revistas con reportajes de época. .
Triste herencia (1899), Óleo sobre tela - 210 x 285 cm.
Vemos a un hermano de la Congregación de San Juan de Dios acompañando al baño a multitud de niños disminuidos, ciegos, tullidos, cojos, leprosos y enfermos. Herencia de los estragos de la sifilis que Sorolla sabe denunciar con maestría. La figura del hermano, robusta, vigorosa, hermosa en su tosquedad, se destaca en pie con su hábito negro, del fondo el mar de un azul intenso. La severidad austera de esta figura pintada con sobriedad y vigor, evocando el recuerdo de aquellos monjes y ascetas de los grandes maestros españoles del siglo XVII. Ocupan el primer término del cuadro dos grupos situados en el centro, a la orilla del mar, compuesto el uno del hermano de San Juan de Dios atrayendo cariñosamente a un muchacho ciego que, con vacilante paso, a él se acoge. El otro grupo lo forman tres muchachos, dos de ellos con muletas, conduciendo al tercero, ciego; todos desnudos. En segundo término aparecen en el mar varios grupos y figuras sueltas de muchachos bañándose, mostrando en los cuerpos raquíticos y degenerados los estigmas de sus enfermedades y lacerías. A la derecha del hermano aparece un niño que asoma del agua su busto iluminado por el sol, figura graciosa, llena de color y vida, única nota alegre de aquella escena de tristeza y miseria.
Comida en la barca (1898), Óleo sobre tela - 180,5 x 250,5 cm.
Los marineros hacen un alto en el duro trabajo cotidiano para comer en su propia embarcación. La radiante y cegadora luz queda fuera puesto que están al abrigo de la vela de la barca y se disponen a comer pan con guiso marinero. Cinco adultos y el niño degustan el pescado bañados por la luz nacarada que da la vela y afanándose por saciar el hambre. Resulta curioso observar sus atuendos y sus rostros, tostados por el sol, el aspecto curioso y sorprendido del chiquillo y las posturas incómodas y apresuradas de todos ellos. El tratamiento de la luz y los contrastes buscados por Sorolla dotan a esta obra de gran relieve.
← Los primeros éxitos internacionales de Joaquín Sorolla
.
Enlaces relacionados con "Joaquín Sorolla. Ayer y hoy"
. . . . . . .
La exposición “24 horas de Retiro” permite descubrir los trabajos de tres fotógrafos de reconocido prestigio (Blanca del Amo, Ralf Pascual y José María Escudero Ramos) que durante 24 horas captaron con sus cámaras, y desde tres puntos de vista diferentes, los detalles, las sombras y los rostros que conforman la esencia del emblemático parque de El Retiro de Madrid.
La muestra que se exhibe en la Sala de exposiciones de la Junta Municipal de Retiro, permanecerá abierta hasta el próximo 21 de junio.
El viernes 21 de marzo, desde el amanecer hasta el anochecer, los tres fotógrafos inmortalizaron con sus cámaras a los visitantes y a los trabajadores del parque, así como los jardines, las estatuas, el lago y los rincones más representativos de uno de los espacios más importantes de la capital.
.
Cada uno de los fotógrafos, fiel a su propia personalidad y a un determinado tipo de fotografía, trazó su propio itinerario de trabajo, plasmando en las imágenes los sentimientos que el parque les producía. Los trabajos se realizaron con fotografía digital, en blanco y negro y color, y con cámaras de negativo de medio formato.
La idea original de este proyecto partió del fotógrafo José María Escudero, contando con la colaboración de Blanca del Amo y de Ralf Pascual, dos profesionales de la fotografía que destacan por su calidad artística y humana, así como por su demostrado amor por El Retiro.
El propósito de la exposición ‘24 horas de Retiro’ es mostrar al público en general, y al de Madrid en particular, la belleza del parque.
Los premios obtenidos en 1883 y 1884 impulsan a un Sorolla joven. Cosechó otro gran éxito en Valencia con su obra El crit del palleter sobre la Guerra de la Independencia. De esta manera, fue pensionado por la Diputación Provincial de Valencia para viajar a Roma donde, a la vez que trabajaba, conoció el arte clásico y renacentista, así como los grandes museos, contactando, además, con otros artistas. Joaquín tenía veintidos años. 1884 - 1892: el perfeccionamiento académico
Con su amigo el pintor Pedro Gil se desplazó a París durante el primer semestre de 1885, viviendo de cerca la pintura impresionista que produjo en él, ya de regreso en Roma, variaciones en su temática y estilo, llegando a pintar el cuadro religioso El entierro de Cristo, con el que no tuvo el éxito esperado, donde se introduce en el Naturalismo y toma contacto con las vanguardias europeas, destacando las obras de los pintores John Singer Sargent, Giovanni Boldini y Anders Leonard Zorn.
Ver obras de Sargent, Boldini y Zorn (Presentación)A principios de invierno de 1885 partió a Italia, comenzando entonces otra fase de su vida. Aparece una nueva era en el trabajo de Sorolla, que puede caracterizarse por su estancia en Asís. Allí, en un ambiente de vida tranquila y ante un arte exquisito que luchó por dominar la forma, emprende Sorolla el proceso que ha seguido la pintura en su historia: preocuparse, primero y principalmente, de la construcción del cuerpo humano; saber traducir sobre una superficie plana la corporeidad de los seres y de las cosas por medio de líneas, siendo una pintura de líneas rellenas de color; luego, traducir aquella corporeidad por el juego del claroscuro, teñido con color, desempeñando éste un papel decorativo más que naturalista.
El natural se anota en la superficie pintada, no tal y como en conjunto se percibe, sino tal y como parcialmente se ha visto; y el pintor pone en el lienzo lo que ve y más aún, lo que recuerda haber visto, en la forma parcial de las cosas y de los seres. Sorolla en su época de Asís lucha por dominar la línea, por construir los cuerpos atendiendo a la proporcionalidad de sus partes. La pintura no es entonces sintética, sino elemental. No se precisa en la calidad material de los que se copia, sino en su forma lineal. No se presta atención al bloque de lo que se ve, sino a lo particular. La otra resulta entonces seca, y sólo el arabesco de la línea une los diversos elementos del cuadro. Con lo que aprendió en Italia Sorolla pudo cimentar su técnica, siguiendo el proceso natural de la pintura en su formación. Durante su estancia en Asís pintó buen número de acuarelas, con cuya venta atendía a su sostenimiento.
Faltáronle estos encargos, y vino entonces a España, permaneciendo en Valencia hasta fines del mismo año 1889.
Contrajo matrimonio con Clotilde García en 1888 en Valencia, y la influencia benéfica de ésta en la vida íntima del artista se reflejó desde entonces en sus creaciones pictóricas.
Su joven esposa, dotada de claro entendimiento y de grandes virtudes, levantó el ánimo decaído del pintor en los días de desaliento, templó no pocas veces la fogosidad impetuosa y la impresionabilidad de su temperamento nervioso y le auxilió en todos los momentos difíciles, tan frecuentes en la vida de un artista que lucha tenazmente en pos de un ideal, que jamás alcanza.
En Roma se encontró con un núcleo excelente de pintores españoles, entre ellos Villegas, Sala y Pradilla. Permaneció en la Ciudad Eterna hasta la primavera de 1885, en que hizo un largo viaje a París, donde vio las Exposiciones de Menzel y Bastien-Lepage.
Y así como su primera etapa en Roma fue una continuación del influjo de la pintura contemporánea española, gracias a los compañeros que halló, su viaje a París le puso en contacto con dos grandes maestros de la pintura naturalista modernísima, que, con diferencias de carácter bastante marcadas, entre Bastien-Lepage y Menzel, conducían sin embargo a la misma orientación.
Pero Sorolla a pesar de la inclinación natural de su temperamento, no pudo sacar de su primer viaje a París todo el fruto debido. La influencia que sobre él pudieron ejercer Menzel y Bastien-Lepage era prematura entonces; el ambiente artístico respirado en Roma, tanto en su gran arte del pasado, como en el contemporáneo, no era para preparar en Sorolla clara y pronta comprensión del camino emprendido por Menzel y Bastien-Lepage.
Por eso, al regresar a Roma pintó su cuadro El entierro de Cristo de una manera que fue motivo de escándalo en España, al presentarlo en la Exposición de 1887. El proceso seguido en este cuadro fue de alta significación en su vida artística. La crítica lo censuró acebadamente; pero con todas sus imperfecciones de dibujo, estaba muy por encima de muchos cuadros ante los cuales la crítica había agotado el caudai de lo hiperbólico.
En 1889 se trasladó con su esposa a vivir a Madrid donde alcanzó en poco tiempo cierta fama y prestigio. De este periodo destacan obras de tesis moral o social pintadas en su estudio de Madrid, un lugar preparado perfectamente como un escenario para sus obras, iluminado de la forma más cercana a la realidad.
Trata de Blancas - Óleo sobre lienzo, 166,5 x 195 cm-1895
Y aún dicen que el pescado es caro - Óleo sobre lienzo, 151,5 x 204 cm - 1894
Triste herencia - Óleo sobre lienzo, 212 x 288 cm-1899
Otra Margarita - Óleo sobre lienzo, 129,5 x 198,1 cm - 1892
Estas cuatro obras, pintadas sin dudas ni vacilaciones, pertenecen a la época de residencia en Madrid, y un momento en que las obras de arte con esa clase de tesis estaban de moda.
En 1895 concurrió al Salón de los Campos Elíseos con sus cuadros Trata de blancas y La vuelta de la pesca, siendo este último premiado con segunda medalla, que valió a su autor la distinción de artista hors concours.
En torno al 1895: los primeros éxitos internacionales →
← Joaquín Sorolla. El perfeccionamiento académico desde el Museo del Prado
Enlaces de interés
Joaquín Sorolla y Bastida vivió entre dos siglos.
Su nacimiento, en 1863; su formación y desarrollo profesional entre finales del siglo XIX y principios del XX; los acontecimientos socioculturales y políticos de su tiempo; el desarrollo industrial y las costumbres de su época.
Todo esto y mucho más es lo que ofrece el cuaderno Madrid es Arte, que colabora con el proyecto VER OIR LEER de salonesarte.es.
Un proyecto integrado por blogs españoles y del mundo de habla hispana que pretende mostrar al artista valenciano desde el punto de vista social además del artístico.
Recomendamos a nuestros lectores seguir los artículos que presenta Salonesarte y los enlaces a los otrosblog de este proyecto para conocer la parte humana de este genio de la pintura que supo atrapar en sus pinceles la luz mediterránea y transmitir una visión de España difícil de igualar.
El proyecto "VER OIR LEER - Joaquín Sorolla, ayer y hoy" inicia un recorrido por la vidas y obra de Sorolla utilizando como base los temas que se exponen en el Museo del Prado.
Invitamos a nuestros lectores a comenzar este recorrido en:
Además, cada relato lleva asociado una serie de enlaces a temas de interés que ilustran de forma simplificada los momentos y costumbres de la época que vivió Sorolla.
¡Bienvenidos a una nueva forma de contar Arte e Historia!
