Los blog madrilenos.es, madrileños.es, salonesarte.es, Conociendo Madrid y Madrid es Arte, juntamente con Redactores.es y Radio Televisión Española, se unen para rendir un sincero homenaje a Michael Jackson.
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Figura emblemática del pop, ayer se nos fué sin poder ofrecer su último gran espectáculo en Londres.
Bueno, Michael, gracias por haber formado parte de mi adolescencia y la de mis hijos. Aunque te decimos adiós, dificilmente te veamos marchar de entre nosotros.
Hasta siempre Michael edjaval
Desde el 18 de junio y hasta el 30 de agosto, la Sala de las Bóvedas del Centro Cultural Conde Duque albergará la exposición "Alonso Cano en el legado de Gómez-Moreno". Un recorrido por las obras del pintor granadino y su contexto histórico que revelan la importancia de este artista del siglo XVII. 
Alonso Cano (1601-1667) es uno de los artista más completo del Siglo de Oro español cuyas obras tocan todos los terrenos del arte: pintor, dibujante, grabador, retablista, diseñador, arquitecto, escultor... Se constituyó en figura central del siglo XVII, aunque nunca ha sido suficientemente destacada en su justa medida.
Alonso Cano se relacionó con artistas de su época como Pacheco, Martínez Montañés, Velázquez o Zurbarán; también conoció grandes figuras del mundo intelectual de su tiempo. En su biblioteca figuraban obras literarias de Góngora, Gracián y Quevedo, lo que propició que su arte se alimentara de los más variados saberes. Su arte se prolonga con sus excepcionales discípulos: Pedro de Mena, José Risueño, Herrera Barnuevo o José de Mora.
En la imagen, Alonso Cano retratado por Velázquez en 1649 (Wellington Museum, Londres)
Las obras expuestas en el Conde Duque forman parte del valioso legado que los herederos de D. Manuel Gómez-Moreno Martínez cedieron a la ciudad de Granada a través de la Fundación Rodríguez-Acosta.
"Alonso Cano en el legado de Gómez-Moreno"
Fecha: 18 de junio de 2009 al 30 de agosto de 2009
Horario: Martes a sábado de 10:00 a 14:00h y de 17:30 a 21:00h. Domingos y festivos de 10:30 a 14:30h. Lunes cerrado.
Lugar: Centro Cultural Conde Duque - Sala de la Bóvedas
Dirección: Calle Conde Duque , 9
Teléfono: (+34) 91 588 58 34
Metro: Ventura Rodríguez (L3) , San Bernardo (L2, L4) , Plaza de España (L2, L3, L10) Autobús: M2, 21 , 1 , 2 , 44 , 74 , 133 , 2 , C .
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Conoce la vida y obra de Joaquín Sorolla y Bastida, el pintor de la luz, en el proyecto VER OIR LEER - "Joaquín Sorolla. Ayer y hoy"
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Un joven Joaquín frecuentaba el Museo del Prado allá por 1882. Afanado en entender a los grandes maestros de la pintura, estudió, copió y ensayó en las salas del museo.
Se interesaba particularmente por Rivera y Velázquez, pero fue este último el que marcó gran parte de la obra de Joaquín, tanto en el simbolísmo de su obra como en el tratamiento de la luz.
Diego Rodriguez de Silva y Velázquez (1599-1660) Hasta la realización de su obra "Los borrachos", Velázquez pintaba sus personajes con contornos precisos y destacándolos claramente de los fondos, sus pinceladas eran ópacas y empastadas.
En su primer viaje a Italia realizó una radical transformación de su estilo. En este viaje el pintor ensayó nuevas técnicas buscando la luminosidad. Velázquez, que había ido desarrollando su técnica en los años anteriores, concluyó esta transformación a mediados de 1630 donde se considera que encontró su lenguaje pictórico mediante una combinación de pinceladas sueltas de colores transparentes y toques precisos de pigmento para resaltar los detalles.
A partir de "La Fragua de Vulcano", pintada en Italia, la preparación de los cuadros cambió y se mantuvo el resto de su vida. Se componía básicamente de blanco de plomo aplicado con espátula, que formaba un fondo de gran luminosidad complementada con pinceladas cada vez más transparentes.
En "La rendición de Breda" y en el "Retrato ecuestre de Baltasar Carlos", pintados en la década de 1630, concluyó este cambio. El recurso de fondos claros y capas transparentes de color para crear una gran luminosidad eran frecuentes en pintores flamencos e italianos, pero Velázquez desarrolló esta técnica hasta extremos nunca vistos.
La paleta de colores que empleaba era muy reducida utilizando en toda su vida los mismos pigmentos. Lo que varió con el tiempo es la forma de mezclarlos y aplicarlos, consiguiendo retratar el aire, la atmósfera del momento y su luz.
Joaquín Sorolla y Bastida (1863-1923) Podemos decir que casi los mismos pasos dió Sorolla hasta su etapa de consolidación (1889-1999) en la que se va alejando del Realismo y el costumbrismo social.
El nuevo siglo marca un adiós a la crítica social y el inicio de la etapa de culminación (1900-1910) donde queda consolidado su estilo pictórico y su fama internacional.
Los cuadros pintados en las playas de Jávea y el Cabañal, en Valencia, o en Biarritz y San Sebastián es donde ese estilo, denominado "Sorollismo" por algunos de sus epígones valencianos, alcanzará su máxima plenitud.
Las anotaciones pintorécas propia de la época desaparecen para dar paso a las pinceladas largas y astilladas, clara influencia de Velázquez, donde la luz es el tema de la obra. Todos los elementos de la composición se bañan en luces y tenues sombras, con recursos como las sombrillas, velas y telas para tamizar la luz por toda la superficie del cuadro.
En este sentido, el término "luminismo" suele emplearse para definir de forma genérica la obra de Sorolla.
Este término, asociado al último impresionismo o neoimpresionismo, se ha utilizado también para caracterizar el estilo de pintores belgas como Emile Claus y Théo van Rysselberghe y de sus seguidores (Jenny Montigny, Anna De Weert, Georges Morren, Gustave De Smet, Frits Van den Berghe, Constant Permeke e Yvonne Serruys), el trabajo de los los primeros puntillistas holandeses como Jan Toorop, Jan Sluijters y Piet Mondrian.
Ambos estilos tienen poco en común. La obra de Emile Claus está próxima al de los grandes impresionistas franceses, especialmente Claude Monet,mientras que los luministas holandeses se caracterizan por la utilización de grandes manchas de color, más cercanos al fauvismo.
Comparten con Joaquín Sorolla este término Teodoro Andreu, Francisco Benítez Mellado o Vicente Castell, entre otros.
A continuación ofrecemos imágenes de aquellas obras más representativas de ambos pintores donde puede apreciarse el uso de la simbología y tratamiento pictórico que, en unos casos Sorolla utiliza como homenaje a Velázquez y en otros demuestran cómo supo interpretar la obra del artísta sevillano.
La absoluta libertad pictórica →
Enlaces relacionados con "Joaquín Sorolla. Ayer y hoy"
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En nuestro artículo anterior conocíamos a un Joaquín Sorolla que cosechaba sus primeros éxitos. La cronología de la historia quiso hacer coincidir sus éxitos con los de otras grandes figuras de la época como Julio Verne, H. G. Wells o su amigo y paisano Blasco Ibáñez.
El proyecto Ver Oír Leer incluye muchos acontecimientos que rodearon la vida del pintor y que invitamos a descubrir a través de los enlaces que figuran al pié de nuestros artículos.
El Museo del Prado nos guía ahora hasta la sección '1900: El Gran Prix de la Exposición Universal' que Conoceremos, Sentiremos y Descubriremos a continuación.
"¡Al fin hemos vencido!... Por suerte extraordinaria ha muerto para siempre la España legendaria que orgullo y embeleso de nuestros padres fué... y preparar podemos la antorcha funeraria delante de esa Europa que extática nos ve. [...] Vencimos... y en silencio, sin gritos ni bambolla; vencimos en combate sangriento y desigual llevando por bandera que al enemigo arrolla un bronce de Benlliure y un lienzo de Sorolla; un colorista insigne y un escultor genial."
El realismo social continúa siendo el motivo más utilizado en las obras de Sorolla. A esto se suma el 'realismo de la luz' que le supondrá hacerse con el triunfo en la Exposición Universal de 1900 con su obra "Triste herencia".
Ganador del Gran Prix de los Pabellones de España y Portugal con esta obra, que cerrará su etada de crítica social, el pintor valenciano se consolida como artísta excepcional y marcará el inicio de su reputación internacional.
Otros premiados en la misma categoría en la Exposición Universal de París fueron Klimt, Lembach y Anders Zorn; con este último Joaquín llegará a tener una solida amistad y gran admiración. En Triste herencia puede apreciarse la incursión de Sorolla en los cuadros de playa, con pinceladas sueltas y enérgicas que atrapan la luz, los reflejos y el color del instante.
El periódico valenciano 'La Epoca' publica en su edición del 23 de Julio de 1900: << "El día 29, a las dies de la mañana, previa invitación, se congregarán en las Casas Consistoriales las Sociedades y corporaciones de valencia, y con el Ayuntamiento se trasladarán al domicilio del fotógrafo D. Antonio García, donde esperarán los señores Benlliure y Sorolla, y en nombre del alcalde, les invitará dicha Comisión á que acudan á la Casa de la Ciudad. La comitiva, con los laureados artístas, se trasladará al Ayuntamiento, donde la citada corporación saldrá al pie de la escalera para recibir á los artístas, conduciéndoles con el ceremonial propio de la toma de posesión al salón consistorial". >>
En aquel acto, los dos artístas fueron nombrados hijos predilectos y meretísimos de la ciudad de Valencia. Hubo desfile con banderas y estandartes y banquete en honor de ambos.
La revista "La ilustración Española y Americana" del día 22 de junio de 1900 habla así de Sorolla:
<<"[...] el tirunfo logrado en laExposición Universal de Par´s por el pintor español Joaquín Sorolla, á quien el Jurado de Bellas Artes ha adjudicado la medalla de honor. Esta gloria para el arte español contemporáneo nos enorgullece, pero no nos sorprende. Cuantos conocíamos el talento de Sorolla y el entusiasmo con que desarrolla en la asidua labor sus brillantes aptitudes, esperábamos que sus lienzos de asombroso colorido habrían de llamar poderosamente la atención en todas partes. [...] y cuando han tenido la dicha de admirar su sentido y conmovedor cuadro ¡Triste herencia!, lo conceptúan digno de la supremadistinción que al Jurado de París ha merecido". >>
La revista "Ilustración Artística", fechada en Barcelo el 2 de Junio de 1900, dedica un extenso artículo al pintor valenciano en la pluma del periodísta León Roch:
<< "La buena nueva de la victoria alcanzada en la sección española de la Exposición de París por el gran colorista valenciano, no ha sorprendido, no ha podido sorprender á nadie. A la cabeza de la representación de españa en la pintura figuraba Sorolla, como figuraba Benlliure al frente de los escultores: las cuatro obras que en el gran certamen presentaban eran lo mejor que el arte español había producido en los dos últimos años. El Jurado de parís no ha hecho más que confirmar un fallo justiciero de la opinión. [...] El triunfo de París viene á consolidar la alta reputación del ilustre pintor valenciano, colocándole en las avanzadas del arte universal, entre los grandes maestros extranjeros que antes ó ahora han sido laureados en París. [...] Modesto y sencillo siempre, no codicioso de más títulos que los que en razón y en derecho cree él que merece, este gran éxito no modificará su carácter, no añadirá un sólo átomo de soberbia á la propia creencia del valer justamente tasado, ni alterará en una línea el sistema de su vida de trabajo y aislamiento, fecundísima para el arte, patriarcal en mucho, en mucho también sujeta casi a principios monacales.">>
Estas últimas palabras que transcribimos nos dicen mucho de Sorolla, tanto que es casi imposible mantener la vista en sus obras sin apartarla a un punto no determinado del pensamiento y sentir a Sorolla como persona, como hombre, padre, artista. Este artículo, que merece ser leído integramente gracias a la aportación de la Hemeroteca Digital de la Biblioteca Nacional de España, incluye un retrato del ya consagrado artista que parece mostrar la imagen de un Joaquín con la vista puesta a la luz mediterránea.
Recuerdos de la Exposición Universal de París - 1900
Filmaciones de la Exposición Universal de París - 1900
Revistas con reportajes de época. .
Triste herencia (1899), Óleo sobre tela - 210 x 285 cm.
Vemos a un hermano de la Congregación de San Juan de Dios acompañando al baño a multitud de niños disminuidos, ciegos, tullidos, cojos, leprosos y enfermos. Herencia de los estragos de la sifilis que Sorolla sabe denunciar con maestría. La figura del hermano, robusta, vigorosa, hermosa en su tosquedad, se destaca en pie con su hábito negro, del fondo el mar de un azul intenso. La severidad austera de esta figura pintada con sobriedad y vigor, evocando el recuerdo de aquellos monjes y ascetas de los grandes maestros españoles del siglo XVII. Ocupan el primer término del cuadro dos grupos situados en el centro, a la orilla del mar, compuesto el uno del hermano de San Juan de Dios atrayendo cariñosamente a un muchacho ciego que, con vacilante paso, a él se acoge. El otro grupo lo forman tres muchachos, dos de ellos con muletas, conduciendo al tercero, ciego; todos desnudos. En segundo término aparecen en el mar varios grupos y figuras sueltas de muchachos bañándose, mostrando en los cuerpos raquíticos y degenerados los estigmas de sus enfermedades y lacerías. A la derecha del hermano aparece un niño que asoma del agua su busto iluminado por el sol, figura graciosa, llena de color y vida, única nota alegre de aquella escena de tristeza y miseria.
Comida en la barca (1898), Óleo sobre tela - 180,5 x 250,5 cm.
Los marineros hacen un alto en el duro trabajo cotidiano para comer en su propia embarcación. La radiante y cegadora luz queda fuera puesto que están al abrigo de la vela de la barca y se disponen a comer pan con guiso marinero. Cinco adultos y el niño degustan el pescado bañados por la luz nacarada que da la vela y afanándose por saciar el hambre. Resulta curioso observar sus atuendos y sus rostros, tostados por el sol, el aspecto curioso y sorprendido del chiquillo y las posturas incómodas y apresuradas de todos ellos. El tratamiento de la luz y los contrastes buscados por Sorolla dotan a esta obra de gran relieve.
← Los primeros éxitos internacionales de Joaquín Sorolla
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Enlaces relacionados con "Joaquín Sorolla. Ayer y hoy"
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En nuestros artículos anteriores "Joaquín Sorolla. Perfeccionamiento académico desde el Museo del Prado-Parte I" y "Joaquín Sorolla. Perfeccionamiento académico desde el Museo del Prado-Parte II" hemos seguido la pauta marcada por el Museo Nacional del Prado conforme a la ubicación de las obras que se exponen.
Continuamos el mismo orden centrándonos en la década del 90, con un Joaquín Sorolla consolidaddo como importante figura del mundo del arte de la época y que va adquiriendo fama internacional a través de sus primeras obras premiadas.
En 1895 Sorolla asisitirá al Salón de los Campos Elíseos con sus cuadros 'Trata de blancas' y 'La vuelta de la pesca', siendo este último premiado con segunda medalla, que valió a su autor la distinción de artista hors concours. Los motivos elegidos por Sorolla demuestran su fidelidad hacia el natural, dotando a sus figuras de un realismo que estremece.
En la revista 'La Ilustración Española y Americana', del 15 de mayo de 1895, aparece un reportaje sobre la exposición titulado "El Salón de los Campos Elíseos en París - 1895". En él podemos leer:
"[...] De los pintores españoles, el que viene a la cabeza es Sorolla con una enérgica composición: Regreso de la pesca, valiente, inspirada y con una nota personal acentuadísima. Un barco avanza lentamente, empujado a la vez por el viento que hincha su vela y por unos bueyes que de él tiran, metidas sus patas en el agua. Los tipos que el cuadro encierra tienen vida y carácter. Las verdes algas parece que se pueden tocar. Nuestro compatriota ha obtenido con su cuadro un verdadero y legitimo triunfo [...]".
(Firma el artículo "ARISTIDES" - París, Mayo de 1895)
. "La Ilustración Española y Americana - 15 Mayo de 1895" - Archivo PDF .
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Criticado por muchos, Joaquín va más allá de la pintura histórica de época y da rienda suelta a su personal crítica social. Joaquín ve el arte como expresión, un modo de contar su visión de las cosas desde un realismo que hoy podemos entender y que marca el arte de Sorolla como único en su campo, más allá de estilismos.
Es también en 1895 cuando expone en Madrid su cuadro 'La bendición de la barca'.
Al año siguiente presentará en la Exposición de Berlín su lienzo 'Pescadores valencianos', por el que obtuvo medalla de oro. En el retrata en primer término a dos pescadores limpiando dentro del mar sus utensilios de pesca; en el segundo una barca aparejada, y otras más lejos en la línea del horizonte del mar. Todo es luz y vibración solar, con una auténtica paleta de color mediterránea que se verá más tarde en sus cuadros de Jávea.
De la 'Exposición Nacional de Bellas Artes de 1895', se escribe en la misma revista "La Ilustración Española y Americana", pero con fecha 8 de junio de 1895:
"[...] Muy disitinto carácter tienen las escenas del maestro valenciano que ocupa también primera línea en el certamen: a Sorolla le place orear sus luminosos cuadros con las brisas marinas y bañar las escenas con los cambiantes azafranados del sol en niestras costas levantinas, cuya impresión constituye sin duda el carácter de su color y sus entonaciones. De él son los hermosos lienzos de la cura del pescador en la bodega de la nave. La "bendición de la barca" y "El mamón", con los que produce el mayor entusiasmo entre sus admiradores: cuéntenos entre ellos: pero permitanos, á fuer de criticos, que disertemos algo sobre su personalidad artistica. ¿Desde su Otra Margarita del pasado certamen, el maestro ha avanzado o ha evolucionado?¿Es hoy más completo o más deslumbrador? Aquella obra fué como la hazaña para conquistar el puesto que le otorgara la autoridad de consumado artista: hoy ya, juzgándolo en su producción total, presentarse como audaz y desenvuelto efectista, acometiendo los más atrevidos propósitos y saliendo casi siempre airoso de tales peligros, gracias a su fogoso genio, a su ejecución brillantísima y a ser un colorista deslumbrante, como ningún otro ahora entre nosotros, y un fascinador irresistible: comete incorrecciones, pero incorrecciones geniales que quedan ahogadas por los destellos de sus otras cualidades, como las del orador elocuentísimo que no deja tiempo para notarlas. Es, pues, el joven Sorolla una potencia artistica de primer orden que se adelanta arrolladora, pero un tanto peligrosa, no para él, que si no decae tendrá fuerzas siempre para salir airoso de sus empeños, sino para sus secuaces e imitadores, de los cuales ninguno podrá seguirlo, y ofuscados por sus esplendentes notas, caerán en los mayores abismos y desaciertos, perdidos en ellos las severas disciplinas de la forma, nunca más precisas que cuando se desea ostentar las galas más seductoras del arte. [...]" (Firma el artículo NARCISO SENTENACH)
En esta portada puede verse el "Retrato de de la Señorita P. B. - Cuadro de SOROLLA - NÚM. 1.140 del catálogo" .
"La Ilustración española y americana - 8 de Mayo de 1895" - Archivo PDF .
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Su amistad con el escritor Blasco Ibáñez, ambos valencianos, pudo influir en la pintura social que, si bien ya era tratada por artistas como Casas, Zuloaga y Mir, Sorolla va a alejar de costumbrismos en busca de una nueva esencia que formará parte de su pintura madura.
En 1897 concurrió de nuevo al Salón de París con su cuadro 'Cosiendo vela', llevado luego a las Exposiciones de Munich, Internacional de Viena, Madrid de 1899 y, por último, a la Universal de París, obteniendo medalla de oro en las de Munich y Viena.
1900: el Grand Prix de la Exposición Universal →
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Situación política y social en 1895
La exposición “24 horas de Retiro” permite descubrir los trabajos de tres fotógrafos de reconocido prestigio (Blanca del Amo, Ralf Pascual y José María Escudero Ramos) que durante 24 horas captaron con sus cámaras, y desde tres puntos de vista diferentes, los detalles, las sombras y los rostros que conforman la esencia del emblemático parque de El Retiro de Madrid.
La muestra que se exhibe en la Sala de exposiciones de la Junta Municipal de Retiro, permanecerá abierta hasta el próximo 21 de junio.
El viernes 21 de marzo, desde el amanecer hasta el anochecer, los tres fotógrafos inmortalizaron con sus cámaras a los visitantes y a los trabajadores del parque, así como los jardines, las estatuas, el lago y los rincones más representativos de uno de los espacios más importantes de la capital.
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Cada uno de los fotógrafos, fiel a su propia personalidad y a un determinado tipo de fotografía, trazó su propio itinerario de trabajo, plasmando en las imágenes los sentimientos que el parque les producía. Los trabajos se realizaron con fotografía digital, en blanco y negro y color, y con cámaras de negativo de medio formato.
La idea original de este proyecto partió del fotógrafo José María Escudero, contando con la colaboración de Blanca del Amo y de Ralf Pascual, dos profesionales de la fotografía que destacan por su calidad artística y humana, así como por su demostrado amor por El Retiro.
El propósito de la exposición ‘24 horas de Retiro’ es mostrar al público en general, y al de Madrid en particular, la belleza del parque.
En Madrid se cerrará el proceso itinerante de esta muestra impulsada por la Consejería de Cultura de la Junta de Andalucía, en colaboración con la Diputación Provincial, la Universidad de Jaén, el Ayuntamiento de Quesada y la Caja Rural de Jaén, con motivo de la celebración del centenario del nacimiento del pintor quesadeño, Rafael Zabaleta.
La muestra que se presenta en Madrid contiene óleos y dibujos del artista y ha sido distribuida en cinco apartados bien diferenciados:
Madrid fue uno de los importantes destinos zabaletianos y la ciudad que le abriría las puertas de las principales galerías y salas expositivas.
Horarios: de martes a sábado de 10.00 a 21.00 horas, y los domingos y festivos de 10.00 a 14.30 horas. Los lunes cerrado.
Los premios obtenidos en 1883 y 1884 impulsan a un Sorolla joven. Cosechó otro gran éxito en Valencia con su obra El crit del palleter sobre la Guerra de la Independencia. De esta manera, fue pensionado por la Diputación Provincial de Valencia para viajar a Roma donde, a la vez que trabajaba, conoció el arte clásico y renacentista, así como los grandes museos, contactando, además, con otros artistas. Joaquín tenía veintidos años. 1884 - 1892: el perfeccionamiento académico
Con su amigo el pintor Pedro Gil se desplazó a París durante el primer semestre de 1885, viviendo de cerca la pintura impresionista que produjo en él, ya de regreso en Roma, variaciones en su temática y estilo, llegando a pintar el cuadro religioso El entierro de Cristo, con el que no tuvo el éxito esperado, donde se introduce en el Naturalismo y toma contacto con las vanguardias europeas, destacando las obras de los pintores John Singer Sargent, Giovanni Boldini y Anders Leonard Zorn.
Ver obras de Sargent, Boldini y Zorn (Presentación)A principios de invierno de 1885 partió a Italia, comenzando entonces otra fase de su vida. Aparece una nueva era en el trabajo de Sorolla, que puede caracterizarse por su estancia en Asís. Allí, en un ambiente de vida tranquila y ante un arte exquisito que luchó por dominar la forma, emprende Sorolla el proceso que ha seguido la pintura en su historia: preocuparse, primero y principalmente, de la construcción del cuerpo humano; saber traducir sobre una superficie plana la corporeidad de los seres y de las cosas por medio de líneas, siendo una pintura de líneas rellenas de color; luego, traducir aquella corporeidad por el juego del claroscuro, teñido con color, desempeñando éste un papel decorativo más que naturalista.
El natural se anota en la superficie pintada, no tal y como en conjunto se percibe, sino tal y como parcialmente se ha visto; y el pintor pone en el lienzo lo que ve y más aún, lo que recuerda haber visto, en la forma parcial de las cosas y de los seres. Sorolla en su época de Asís lucha por dominar la línea, por construir los cuerpos atendiendo a la proporcionalidad de sus partes. La pintura no es entonces sintética, sino elemental. No se precisa en la calidad material de los que se copia, sino en su forma lineal. No se presta atención al bloque de lo que se ve, sino a lo particular. La otra resulta entonces seca, y sólo el arabesco de la línea une los diversos elementos del cuadro. Con lo que aprendió en Italia Sorolla pudo cimentar su técnica, siguiendo el proceso natural de la pintura en su formación. Durante su estancia en Asís pintó buen número de acuarelas, con cuya venta atendía a su sostenimiento.
Faltáronle estos encargos, y vino entonces a España, permaneciendo en Valencia hasta fines del mismo año 1889.
Contrajo matrimonio con Clotilde García en 1888 en Valencia, y la influencia benéfica de ésta en la vida íntima del artista se reflejó desde entonces en sus creaciones pictóricas.
Su joven esposa, dotada de claro entendimiento y de grandes virtudes, levantó el ánimo decaído del pintor en los días de desaliento, templó no pocas veces la fogosidad impetuosa y la impresionabilidad de su temperamento nervioso y le auxilió en todos los momentos difíciles, tan frecuentes en la vida de un artista que lucha tenazmente en pos de un ideal, que jamás alcanza.
En Roma se encontró con un núcleo excelente de pintores españoles, entre ellos Villegas, Sala y Pradilla. Permaneció en la Ciudad Eterna hasta la primavera de 1885, en que hizo un largo viaje a París, donde vio las Exposiciones de Menzel y Bastien-Lepage.
Y así como su primera etapa en Roma fue una continuación del influjo de la pintura contemporánea española, gracias a los compañeros que halló, su viaje a París le puso en contacto con dos grandes maestros de la pintura naturalista modernísima, que, con diferencias de carácter bastante marcadas, entre Bastien-Lepage y Menzel, conducían sin embargo a la misma orientación.
Pero Sorolla a pesar de la inclinación natural de su temperamento, no pudo sacar de su primer viaje a París todo el fruto debido. La influencia que sobre él pudieron ejercer Menzel y Bastien-Lepage era prematura entonces; el ambiente artístico respirado en Roma, tanto en su gran arte del pasado, como en el contemporáneo, no era para preparar en Sorolla clara y pronta comprensión del camino emprendido por Menzel y Bastien-Lepage.
Por eso, al regresar a Roma pintó su cuadro El entierro de Cristo de una manera que fue motivo de escándalo en España, al presentarlo en la Exposición de 1887. El proceso seguido en este cuadro fue de alta significación en su vida artística. La crítica lo censuró acebadamente; pero con todas sus imperfecciones de dibujo, estaba muy por encima de muchos cuadros ante los cuales la crítica había agotado el caudai de lo hiperbólico.
En 1889 se trasladó con su esposa a vivir a Madrid donde alcanzó en poco tiempo cierta fama y prestigio. De este periodo destacan obras de tesis moral o social pintadas en su estudio de Madrid, un lugar preparado perfectamente como un escenario para sus obras, iluminado de la forma más cercana a la realidad.
Trata de Blancas - Óleo sobre lienzo, 166,5 x 195 cm-1895
Y aún dicen que el pescado es caro - Óleo sobre lienzo, 151,5 x 204 cm - 1894
Triste herencia - Óleo sobre lienzo, 212 x 288 cm-1899
Otra Margarita - Óleo sobre lienzo, 129,5 x 198,1 cm - 1892
Estas cuatro obras, pintadas sin dudas ni vacilaciones, pertenecen a la época de residencia en Madrid, y un momento en que las obras de arte con esa clase de tesis estaban de moda.
En 1895 concurrió al Salón de los Campos Elíseos con sus cuadros Trata de blancas y La vuelta de la pesca, siendo este último premiado con segunda medalla, que valió a su autor la distinción de artista hors concours.
En torno al 1895: los primeros éxitos internacionales →
← Joaquín Sorolla. El perfeccionamiento académico desde el Museo del Prado
Enlaces de interés
Joaquín Sorolla y Bastida vivió entre dos siglos.
Su nacimiento, en 1863; su formación y desarrollo profesional entre finales del siglo XIX y principios del XX; los acontecimientos socioculturales y políticos de su tiempo; el desarrollo industrial y las costumbres de su época.
Todo esto y mucho más es lo que ofrece el cuaderno Madrid es Arte, que colabora con el proyecto VER OIR LEER de salonesarte.es.
Un proyecto integrado por blogs españoles y del mundo de habla hispana que pretende mostrar al artista valenciano desde el punto de vista social además del artístico.
Recomendamos a nuestros lectores seguir los artículos que presenta Salonesarte y los enlaces a los otrosblog de este proyecto para conocer la parte humana de este genio de la pintura que supo atrapar en sus pinceles la luz mediterránea y transmitir una visión de España difícil de igualar.
El proyecto "VER OIR LEER - Joaquín Sorolla, ayer y hoy" inicia un recorrido por la vidas y obra de Sorolla utilizando como base los temas que se exponen en el Museo del Prado.
Invitamos a nuestros lectores a comenzar este recorrido en:
Además, cada relato lleva asociado una serie de enlaces a temas de interés que ilustran de forma simplificada los momentos y costumbres de la época que vivió Sorolla.
¡Bienvenidos a una nueva forma de contar Arte e Historia!
En el artículo ‘La luz de Sorolla brilla con todo su esplendor en el Museo del Prado’ hacíamos referencia a las dos exposiciones dedicadas al artista valenciano que convergen en el Museo del Prado desde hoy y hasta el 6 de septiembre.
Por un lado “Visión de España”, los catorce paneles que Sorolla realizara por encargo de la Hispanic Society of America, y por otro “Joaquín Sorolla (1863-1923)” que presenta el Museo del Prado con la colaboración de entidades internacionales, fondos privados y aportaciones del Museo Sorolla.
Salones Arte y Madrid es Arte hoy quiere ir más allá del comentario sobre esta exposición. Nuestra intención es recordar desde una visión social al pintor que supo atrapar la luz y mantenerla viva en sus lienzos.
Queremos enseñar a Joaquín Sorolla como un gran genio de la pintura recorriendo toda su obra, pero también queremos imaginar a Sorolla como persona y todo lo que le rodeaba.
Es por tal motivo que Salones Arte, apoyado por Redactores.es y Cuadernos Ciudadanos, secundado por los más de ochenta blog que conforman la red más grande de España, rendirán homenaje a Joaquín Sorolla y Bastida como persona y como artista.
Lo haremos con el lanzamiento de ‘VER OÍR LEER’, una categoría integrada en blogs de España y América latina, que pondrá a disposición de los lectores una gran variedad de artículos relacionados con la vida social y profesional del artista y el hombre.
Iniciamos pues nuestro viaje para acercarnos a Sorolla, y lo hacemos partiendo desde el Museo del Prado.
Joaquín Sorolla y Bastida (Valencia, 27 de febrero de 1863 - Cercedilla, 10 de agosto de 1923), nació cuando el movimiento impresionista de Francia estaba en pleno apogeo.
Sus pinturas por lo tanto son tardías, pero en ellas reúne las principales características impresionistas como la captación de los efectos de la luz, la ausencia del negro y de los contornos, el gusto por el aire libre, la búsqueda de lo fugaz y las pinceladas pequeñas y sueltas.
Fue uno de los pintores españoles más prolíficos, con más de 2.200 obras catalogadas.Cuando tenía dos años fallecieron sus padres a causa de una epidemia de cólera. Su hermana Concha y él fueron recogidos por su tíos carnales, Isabel Bastida y su marido José Piqueres. Lo criaron con el cariño de padres en su modesta condición de artesanos, y procuraron hacer de su sobrino un trabajador culto. Se aficionó a pintar desde muy joven al aire libre y a emplear tonos claros y luminosos, infuido por Pinazo.
. Qué vestían las damas de la sociedad cuando nació Sorolla? (en construcción) . . 
. En aquellos tiempos estaba de moda la música andaluza y la opera italiana. . 
. Llegada del movimiento impresionista (en construcción) . . La segunda mitad del siglo XIX estará cargada de nuevos descubrimientos e invenciones. El progreso va asociado a nuevos movimientos vanguardistas en todas las artes.
La sociedad también se renovará y vivirá a un ritmo trepidante, difereciando en largas distancias a la clase obrera de la burguesía, mientras un Joaquín niño sigue forjando un exitoso futuro con lápiz y papel.
Pincha sobre la imagen para seguir conociendo a Joaquín
Sorolla antológico en el Museo del Prado - Especial Comunidad de Madrid
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Los ciento noventa tesoros procedentes de la colección del Aga Khan exhibidos en la exposición "Los mundos del Islám" abren la puerta al conocimiento de catorce siglos de historia de arte islámico, desde la Península Ibérica hasta el lejano Oriente.
La muestra, inaugurada por el Rey Juan Carlos y el Príncipe Aga, pretende además de acercar al público objetos artísticos de gran belleza, la mayoría de ellos nunca exhibidos en España, subsanar el gran desconocimiento que existe con respecto al islám.
El recorrido, presente desde el 5 de junio al 6 de septiembre, permite descubrir una época en la que cristianos, judíos y musulmanes convivieron y compartieron una aventura intelectual y espiritual, que en España tuvo a Toledo como principal centro de esta civilización pluralista.
Todas las piezas de la exposición, que posteriormente de exhibirá en Barcelona, proceden de la colección de la Fundación Cultural Aga Khan (AKTC) y formarán parte del futuro Museo Aga Khan en Toronto (Canadá), ha señalado durante la presentación Luis Monreal, director de AKTC, que estuvo acompañado por el director general de la Fundación "laCaixa", Jaime Lanaspa.
Monreal ha resaltado el interés del Aga Khan por dar a conocer mejor al mundo occidental el Islám, mundo abierto y plural, desde muchos puntos de vista.
La muestra forma parte de un programa de exposiciones itinerantes que comenzó en el año 2007 y que ha recorrido diferentes ciudades del mundo. En cada una de sus sedes tiene un contenido distinto "y en esta hemos querido destacar la huella de Al Ándalus".
El recorrido se ha planteado con criterios cronológicos, a excepción de un apartado en el que se profundiza en la "La fe coránica", con espacios dedicados a El Corán, la peregrinación y la plegaria y el misticismo.
En este apartado se exhiben diferentes ediciones del Corán procedentes de distintos lugares así como un plano de la gran mezquita de La Meca, del siglo XVIII, manuscritos poéticos y un tejido que contiene la totalidad del texto coránico.
"Al-Andalus: Oriente en Occidente" es el punto inicial de "La ruta de los viajeros" que muestra la exposición y en él se exhiben objetos procedentes de la Península Ibérica y del Magreb.
Entre estos destaca un astrolabio hecho en Toledo en el siglo XIV, "pieza rarísima, epítome de las tres culturas con inscripciones en árabe, hebreo y latín", ha señalado Luis Monreal, quien ha destacado también los tres alfardones con decoración geométrica del periodo nazarí, un lampadario del siglo X, fabricado durante el gobierno de los omeyas de al-Andalus y un capitel del mismo periodo.
El viaje continua en "Egipto y Siria", apartado que a su vez se ha divido en espacios dedicados a "Los fatimíes" y "Los mamelucos", en los que se exhiben bellas piezas como azulejos, vigas, capiteles, joyas, monedas, botes de farmacia, tejidos o un curioso candelabro de bronce con inscripciones.
"Anatolia y los otomanos" es la siguiente parada del viaje, con la exhibición de objetos fechados entre los siglos XV y XVIII, período en que los imperios que gobernaron Oriente Medio, el norte de África y la India alcanzaron un mayor poder.
Tanto el estilo artístico con inclinación hacia la ornamentación no figurativa, basada en motivos florales y vegetales, como la utilización por parte de los otomanos del retrato como forma de marcar su impronta están presentes en este espacio a través de pinturas, cerámicas o tapetes.
El apartado "De Bagdad a Delhi" propone un paseo por Mesopotamia, el Irán antiguo y medieval, en el que se muestra una curiosa túnica masculina (siglo XIII o XIV), con espacios dedicados a los safavíes, los zandíes y los qayaríes.
La ruta de los viajeros finaliza en "La India y los mogules", apartado en el que se puede apreciar cómo la aventura del Islám en la India es muy similar a la de España. Los hindúes adoptan formas musulmanas y se produce un nuevo arte mudéjar. EFE
El Rey Alfonso XIII observa un apunte que Sorolla realiza sobre su recorrido por las provincias de España.
Del 12 de mayo al 14 de septiembre de 2009 el Museo Sorolla nos muestra aquella visión que tuvo el pintor valenciano.
Con motivo de la llegada a Madrid de los catorce paneles pintados por Joaquín Sorolla para la sede en Nueva York de la Hispanic Society of America, el Ministerio de Cultura presenta esta exposición que reúne treinta y tres pinturas al óleo que el maestro valenciano realizó como preparación para el gran encargo que había recibido en 1911 de Archer Milton Huntington, fundador de la Hispanic Society.
Una cuidada selección en la que se descubre la complejidad de un largo trabajo de siete años de duración.
En la exposición se percibe la idea que el pintor desea transmitir de su país y que se identifica con su manera de sentir y con las corrientes institucionistas del momento, que pretendían recuperar los valores tradicionales de la nación.
La muestra se articula en torno a tres ejes: el pueblo,el paisaje y los monumentos, mimbres con los que Sorolla construye, a través de sus pinturas, una imagen de España de fácil lectura en Estados Unidos.
Billete de 1000 pesetas en homenaje a Sorolla y que representa una de las obras del artista artista.
A partir de hoy, 2 de junio, y hasta que concluyan las obras de reforma del Museo de Toledo, el visitante del Museo del Prado podrá admirar en sus salas esta singular obra de El Greco, 'Vista y plano de Toledo', en la que el pintor muestra una imagen múltiple de la ciudad.
Una fantástica vista en perspectiva de Toledo, un plano detallado del entramado urbano, ofrecido al espectador por un joven pintado con el trazo y la hechura característica de la época final de El Greco.
La complejidad de la visión incluyó además una alegoría del río Tajo –la escultura dorada que vierte el agua y la prosperidad- y la imagen religiosa más significativa del lugar: la Virgen imponiendo la casulla a San Ildefonso.
Por otra parte, destaca la situación del Hospital de Tavera, apareciendo sobre una nube, en referencia explícita al administrador del edificio, Pedro Salazar de Mendoza, amigo del pintor y probablemente autor del encargo de la obra.
Con el fin de ilustrar la presencia de Toledo en muchas de las obras más emblemáticas de El Greco, la Vista y Plano se exhibirá en la sala 8A, que se suma provisionalmente a las dos salas permanentes dedicadas al artista en el Prado, acompañada por otras tres pinturas del pintor: San Sebastián, San Andrés y San Francisco y San Bernardino; ésta última propiedad del Museo del Prado pero depositada en el Museo del Greco (Toledo) desde la apertura del mismo y recuperada temporalmente con motivo de la restauración arquitectónica del edificio, al que regresará cuando se reabra.
Durante su instalación especial en esta sala, las tres obras cuentan con sendas cartelas adicionales en las que se indica qué edificios emblemáticos de la ciudad aparecen representados en cada una, como el castillo de San Servando, el puente de Alcántara, el Alcázar, el monasterio de San Bartolomé o la capilla de Montero, hitos urbanos que el público podrá buscar e identificar también en la Vista y plano de Toledo.
La reforma del museo de Toledo y el depósito de la obra en el Prado, fue pretexto para acometer una profunda restauraciòn al lienzo, que se encontraba en un estado de deterioro considerable.
El trabajo, realizado por el restaurador del Prado, Rafael Alonso, autor de una intervención anterior sobre la obra, ha consistido básicamente en un sentado de color en alguna zona concreta de la pintura, una limpieza somera del barniz y un retoque cromático, todo ello tratando de mantener el delicadísimo tratamiento de la obra, con sus características transparencias en la capa de preparación.
Tras la intervención, la obra se exhibe ahora en el Museo del Prado no sólo como “invitada de excepción” sino, además, en las mejores condiciones posibles.
Planos de la ciudad de Toledo (visitar)
El próximo 9 de junio se inaugura la exposición "Matisse: 1917-1941" en el Museo thyssen-Bornemisza.
Henri Émile Benoît Matisse, nació el 31 de diciembre de 1869 en Le Cateau-Cambrésis y murió el 3 de noviembre de 1954 en Niza.
Matisse está considerado como uno de los grandes artistas del Siglo XX, que además de pintor, fue dibujante, escultor y grabador. La etapa inicial de su obra está considerada dentro del Fauvismo, pasando luego al Modernismo, para convertirse en uno de sus máximos exponentes.
El artista francés pudo coincidir en varias tertulias con Joaquín Sorolla, de quien el Museo del Prado realiza una exposición y el blog Salones Arte analiza en profundidad a través del proyecto VER OIR LEER.
La muestra se centra en la obra de Matisse realizada entre los años 1917 y 1941, dos fechas importantes en su trayectoria artística y que enmarcan el tramo central de su vida de pintor; una etapa en la que el artista encuentra su estilo más personal y a la que, sin embargo, se le ha prestado menos atención que al comienzo o al final de su carrera.
Enmarcada por la sombra de la primera guerra mundial y la premonición de la segunda, esta etapa tuvo una importancia crucial para la difusión y consolidación del arte moderno en la que, sin duda, Matisse tuvo un papel estelar.
Éste es el marco en el que se analizará su obra, tratando de mostrar cómo el artista amplía durante esos años el campo de su investigación pictórica, profundizando en la relación entre dibujo, color, volumen y espacio, y se decanta por una poética que, sin abandonar su compromiso con la modernidad, aspira hacia lo atemporal.
La exposición podrá visitarse hasta el 20 de septiembre de 2009 en el siguiente horario:
De martes a domingo de 10:00 a 19:00 horas.
Lunes cerrado. La taquilla cierra a las 18:30 horas.
Precios de la exposición de Matisse en el Museo Thyssen-Bornemisza
Exposición Temporal Matisse.
General: 5,00 €
Reducida: 3,50 €
Entrada combinada: Colecciones Thyssen-Bornemisza + Exposición Temporal Matisse.
General: 9,00 €
Reducida: 5,00 €
REDUCIDA. Mayores de 65 años y estudiantes previa acreditación.
GRATUITA. Menores de 12 años acompañados (excepto grupos).
