THE KINKS I: WELCOME TO DAVIESLAND
19/03/2007
Llegó el momento. No sé si el que todos estabais esperando (lo dudo), pero sí el que yo estaba esperando, uno de los que me han impulsado a escribir un blog sobre música…
Los Beatles fueron grandes, los Rolling míticos, pero hay una banda injustamente olvidada en los altares del rock, igual de imaginativos que los Fab Four y de prolíficos que los pupilos de Jagger, aunque no tan mediáticos, ni mastodónticos. Su principal baza eran las canciones, piezas de tres minutos de media que condensaban la esencia misma del pop, y los textos, llenos de irónica belleza, mordaz compasión y lirismo de clase obrera, fiel retrato de la sociedad inglesa de su época y, por extensión, de muchos de los entresijos más ocultos de ser humano.
Permitidme que me ponga solemne. Bienvenidos a Daviesland.
Ray Davies, fundó, a principios de los 60, junto a su hermano Dave a la guitarra y su amigo Pete Quaife al bajo una banda llamada The Ravens, que interpretaba clásicos de rhythm'n'blues americano y algún que otro tema propio. Actuaban por Muswell Hill, su barrio del norte de Londres, y de vez en cuando acompañaban a un desconocido cantante Robert Wace, que con el paso del tiempo acabaría convirtiéndose en su road manager. Después de algunos cambios de formación llegó el batería Mick Avory, tras haber ensayado con unos incipientes Stones y cambian el nombre a The Kinks, que reflejaba mejor su espíritu excéntrico y contra corriente.
En 1964 aparece su primer single de éxito, “You really got me”, posiblemente una de las canciones más famosas de la historia del rock. Lo que poca gente sabe es que en su origen Ray la compuso como una balada a piano, pero se convirtió en el riff demoledor que hoy conocemos gracias a que Dave conectó dos amplificadores de guitarra y les rasgó la rejilla del altavoz con una aguja. El sonido que salió de ahí fue una distorsión potente y sucia que para muchos fue el inicio del punk y/o el heavy y para nosotros el comienzo de una carrera musical brillante.
http://www.youtube.com/watch?v=mxG0tyJxNuo
El éxito de “You really got me”, número uno en las listas de medio mundo, siguió con temas como “All day and all of the night”, “Tired of waiting for you” o “Till the end of the day”, una de mis preferidas de su primera época (de los 13 a los 16 años la escuchaba diariamente). Realizaron extensas giras por Europa, llegando incluso a actuar en la España franquista del 66, y por Estados Unidos, junto con otros grupos de la british invansion. Pero en 1965 fueron prohibidos por desavenencias con el sindicato de músicos americanos, hecho que para un grupo que estaba en el momento álgido de su carrera marcaría negativamente su proyección en el mercado musical más potente del mundo. Cuando regresaron en los 70 fue difícil recuperar el tiempo perdido.
En estos años, y por influencia de su manager Larry Page, se les relacionó bastante con el mundo del swingin london (http://en.wikipedia.org/wiki/Swinging_London) y de la moda de Carnaby Street (la Preciados de la época) por sus llamativos trajes y por su aspecto extravagante. Aunque Ray se encargó de ironizar sobre todo ese mundo de apariencia y superfluidad en la memorable “Dedicated Follower of Fashion”. (http://kinks.it.rit.edu/discography/showsong.php?song=74)
Una de las características principales de los Kinks es su “britanidad”, entendiendo el término (de reciente creación) como un sello personal, un prisma único que les hace interpretar la realidad desde el punto de vista británico. De hecho son el grupo británico por antonomasia. Sonido inglés, temática eminentemente inglesa, topónimos ingleses, tradiciones inglesas…Por lo que siguiendo en esta línea británica, quiero recomendar –en mi primera parada por Daviesland- una canción que cumple todas las características anteriormente expuestas.
Tengo una carencia imperdonable en mi vida que debo confesaros: nunca he estado en Londres. Afortunadamente gracias a este tema consigo mirar por una ventana imaginaria y caminar entre la gente que sale del metro, tan ocupada, tan aturdida; entre los taxis de luces brillantes; entre el amor de Terry y Julie; entre el viejo y sucio río y observar una de las puestas del sol más sublimes que jamás haya visto, Waterloo Sunset.
Hay gente que ha estado en Londres que dice que no puede reprimir alguna inoportuna lagrimilla al escucharla. Ojalá pronto pueda decir lo mismo…
http://www.youtube.com/watch?v=ntbOCe4p9zI&mode=related&search=
Sus Satánicas Majestades
15/02/2007
Decir que Angie fue compuesta por Mick Jagger para la mujer de Bowie por aquellos años, Angie Bowie, que anteriormente había sido rollito suya es tal obviedad como afirmar que los Beatles inventaron el pop o que Michael Jackson es (ejem) negro.
¿Y por qué, pensaréis? Pues porque “Angie” al igual que el riff de “Satisfaction” forman parte del imaginario colectivo de nuestra memoria auditiva. Al instante reconocemos ese arpegio de acústica adornado por la melosa voz de morritos Jagger o las notas de la guitarra de Richards en uno de los fraseos musicales más famosos de todos los tiempos. Sí amigos, es así de simple, así de sencillo y así de mágico. Bienvenidos a Sus Satánicas Majestades.
Mick Jagger y Ketih Richards se conocieron en Londres, en un tren de cercanías. Ambos portaban discos de blues clásico, excusa perfecta para entablar una conversación musical. Posteriormente se une a la guitarra el excéntrico Brian Jones de look arty y underground, el apacible baterista Charlie Watts, todo un auténtico metrónomo humano y el libertino Bill Wyman al bajo. A éste último le metieron en el grupo porque tenía un amplificador que triplicaba en potencia al del resto de los incipientes stones, privilegio que por aquel tiempo no podía desperdiciarse, aunque no dice mucho del amigo Wyman como bajista…Toman el nombre de una canción de Muddy Waters. (http://www.muddywaters.com/bio.html). Así nacen The Rolling Stones, lo demás está en los libros de historia.
Los primeros discos de los Stones están marcados por una fuerte carácter blues con un protagonismo preponderante de los riff de guitarra, esa distorsión sucia que tan buenos resultados daría a Richards, artífice del característico sonido de la banda. También por muchas versiones de viejos mitos y algunas cedidas por Lennon y McCartney; algo de folk americano y alguna experimentación con la psicodelia como “Their satanic majestic request”. http://www.alohacriticon.com/alohapoprock/article705.html
Hasta que aparece “Beggars Banquet” en 1968 donde empiezan a distanciarse del blues y encuentran su verdadera personalidad musical asimilando perfectamente todas sus influencias anteriores. Baste un ejemplo sólo, “Sympathy for the devil,” para ilustrar el comienzo de la leyenda. http://www.youtube.com/watch?v=B59g_1DEpzE
Aunque el verdadero punto de inflexión en la carrera del grupo es la expulsión y posterior muerte de Brian Jones, encontrado ahogado en su propia piscina en julio del 69. Mick Taylor fue el nuevo guitarrista e inaugura lo que, para mí, supone su mejor época. La era del “Honky tonk woman” o del “Brown sugar” -piezas maestras de su repertorio-,de los conciertos multitudinarios en festivales como el del Hyde Park londinense.
Que me perdonen sus fans acérrimos, pero a partir de la mitad de los 70 los Stones iniciaron su decadencia creativa y personal hasta convertirse en una caricatura de si mismos con permiso de “A bigger bang” (2005), un retazo para la esperanza, que nos hace rememorar a aquellos chicos malos que inventaron el rock y que no cancelaban conciertos…
Dos discos básicos para cualquier discoteca que se precie. “Sticky Fingers” (1971) álbum cuya provocativa portada en forma de cremallera de pantalón, prohibida en muchos países –entre ellos España- muestra por primera vez el símbolo visual más logrado de toda la historia del rock: la famosa lengua. Y que contiene piezas maestras como la mencionada “Brown sugar” o la pendenciera “Bitch”.
Y, bueno, se me erizan los pelillos de los brazos con tan sólo evocar su melodía. Permitidme esta licencia. Si hay una canción sublime de sus satánicas majestades, una canción eterna, volátil, emocionante…Esa canción está en “Exile on main street”(1972) http://www.sysvisions.com/feedback-zine/articulos/a_30exile.html
Un soplo inspirado de añejo aire country, donde se mezcla la sencillez abrumadora de las guitarras acústicas con la intensidad del saxo y la esperanzada melancolía de la armónica de Jagger … un canto memorable a la dulzura …
“come on come on down sweet virginia”
http://www.youtube.com/watch?v=fv92XclLLow (versión 1972)
http://www.youtube.com/watch?v=k8ikScDh2YA (versión 2003)
http://www.lyricsfreak.com/r/rolling+stones/sweet+virginia_20117900.html
The Beatles III: Abbey Road (The end)
01/02/2007
Que mejor manera para cerrar este modesto homenaje -en forma de breve trilogía- que el último disco del grupo de pop más grande de todos los tiempos…
Aunque en términos editoriales se considere Let it be (1970) el último disco de los Beatles, en realidad es Abbey Road (1969) quien ocupa ese privilegio, ya que fue la última vez que se vio a John, Paul, Ringo y George en un estudio de grabación juntos.
Formalmente Abbey Road es una delicia sonora, atemporal, ecléctica, algo anárquica en cuánto al orden de las canciones, pero especialmente inspirada en lo relacionado a la grandeza de sus temas. El disco refleja con fidelidad la rivalidad creciente (en ese momento ya insostenible) de los dos grandes genios de los Beatles, hasta el punto de que se llegó al acuerdo de que la cara A del disco se haría siguiendo las directrices de Lennon y la cara B -esa maravillosa suite de 17 minutos con canciones incompletas- al estilo McCartney.
En la mítica portada se encuentran algunas de las claves que alentaron la teoría del “Paul is Dead”. Una corriente disparatada que llevó a pensar a algunos fans que Paul McCartney había muerto en un accidente de tráfico a mediados de los 60 y que para no acabar con el mito los otros tres beatles decidieron sustituirle con un doble idéntico a él. Una de las pruebas reveladoras que aportaban estos iluminados era que la portada del disco estaba concebida como un macabro cortejo fúnebre en el que Paul era el muerto porque iba descalzo y con el paso cambiado…Hay miles de claves más que se pueden consultar en la siguiente web: http://www.geocities.com/javierbenedit/
Dejando a un lado cuestiones amarillistas, lo mejor de Abbey Road son sus canciones, sin duda. Aunque fueron Lennon y McCartney quienes llevaron la carga compositiva del álbum hay que destacar la dulzona y sentimental “Octopus Garden” compuesta por Ringo y la eterna “Something” de George Harrison, la canción junto con “Yesterday” más versionada de toda la discografía de los Beatles.
Al igual que dijimos en The White Album, en Abbey Road encontramos una diversidad estilística y musical inusual para la época: El blues-rock espeso de “I want you”, el cabaret rancio y acaramelado de "Maxwell's Silver Hammer", el pop gospel de exquisitas armonías vocales de “Because” o la balada rock estilo años 50 de “Oh Darling” son tan sólo algunos ejemplos.
Por si fuera poco, la canción con la que abre, “Come Together” está considerada por muchos críticos como el inicio del funky debido fundamentalmente a la línea de bajo entrecortada y la melodía de voz de la estrofa que bebe del rhythm'n'blues más negroide para desembocar en un estribillo apoteósico. Os paso una versión de Marcus Miller, uno de los mejores bajistas del mundo, para reforzar esta idea pre-funk. http://www.youtube.com/watch?v=6GFAEsloZw4
Después de un comienzo así llega la ya mencionada “Something” un tema tan imprescindible en la vida como emocionante para las glándulas cerebrales que segregan el sentimiento, no apto para corazones solitarios ni para momentos de moral baja porque puede derrumbar definitivamente el alma, aunque, ya se sabe, después de una gran caída siempre viene una subida esperanzadora. Y eso es precisamente lo que transmite –a mí por lo menos- “Something” esperanza, paz interior, espiritualidad… http://www.youtube.com/watch?v=cK_UBdnVHfc
Pero lo que diferencia a Abbey Road del resto de discos de los Beatles, y posiblemente por eso ha pasado a la historia, es su irrepetible cara B, el famoso medley de canciones inacabadas pero brillantes. En tiempos en los que no había CDs y en la cara A se ponían los éxitos y singles de repercusión y la cara B quedaba relegada para temas de relleno, los Beatles se marcan lo que para muchos es la mejor cara B de toda la historia. Pasamos de la trepidante “Polythene Pam” al sosiego celestial de letra dadaísta de “Sun King”, la ironía vitalista de “Mean Mr Mustard” o la imprevisible “You never give me your money” (corte que empieza con un piano tranquilo y se convierte en un rock demoledor al más puro estilo Macca…”un dulce sueño se cumplió hoy”…) Siempre hay pequeños sueños por cumplir.
http://www.youtube.com/watch?v=vcInkjYsbLk
http://home.att.net/~chuckayoub/You_Never_Give_Me_Your_Money_Lyrics.html
Otra de las delicias de Abbey Road , “She came in through the bathroom window” canción que haría famosa en los 70 Joe Cocker con su inconfundible voz rota.
http://www.youtube.com/watch?v=4TW5wm7Uhyk
Y una de mis favoritas, dejada conscientemente para el final, aunque esté en el medio del disco...
Como una brisa de mar en el medio de la nada, como una flor en un desierto, como una llama de fuego en un jardín polar…”Here comes the sun” es la medicina a la indolencia, al pesimismo, a la frustración…George Harrison la compuso al comienzo de la primavera después del largo y duro invierno inglés…
http://www.youtube.com/watch?v=RrSJsCeQuNA
“Ya llega el sol...las sonrisas vuelven a los rostros...”
Magia astral.
A pesar de que el disco termina con el filosófico “The end” yo no encontré mejor manera para acabar mi recorrido por una banda que cambió la historia de la música y la particular de todos los que les admiramos…
The Beatles II: The White Album
11/01/2007
No sería justo dedicar un único post al grupo de música popular más importante de todo el siglo XX.
No seré yo quien lo haga, desde luego.
Hay una canción de Los Beatles para cada estado del alma. Es más, siendo precisos, podríamos decir que hay una canción del Disco Blanco (The White Album) y de Abbey Road, para cada estado de ánimo.
Es aventurado elegir un álbum preferido de los Fab Four, pero desde luego que éstos dos estarían entre mis diez favoritos que me llevaría a una isla desierta.
¿Por qué? No sabría decirlo exactamente. Es algo emocional, visceral, casi irracional; porque no tienen la producción preciosista de Sgt Peppers, ni la frescura de Rubber Soul o Beatles for Sale, ni la genialidad lisérgica de Revolver o Magical Mistery Tour.
Empecemos cronológicamente por el primero.
The White Album (1968) es una mezcla extraña de canciones compuestas (muchas de ellas) en los viajes del cuarteto por la India donde entraron en contacto con la meditación trascendental y la filosofía hindú. Es un momento especial en la carrera del grupo. Especial porque posiblemente fuera el más prolífico y creativo, aunque, paradójicamente el más individualista y el de más desavenencias internas. Se grabó en interminables sesiones en Abbey Road con algunos invitados de lujo como Eric Clapton. Apenas coincidieron los cuatro beatles en la sala de grabación. Cada uno iba grabando sus partes por separado. McCartney, el más poli-instrumentista, incluso registró Back in the USSR el solito, tocando bajo, guitarras, teclados, voces, recordings y hasta la batería (hecho que Ringo nunca le perdonó).
Lo más destacado del Disco Blanco es su variedad musical, presentado en un formato de disco doble y con una portada minimalista, los Beatles quisieron dejar claro que lo importante eran las canciones. Canciones que reflejaban un amplio registro musical desde el folk de “Blackbird” o “Rocky Racoon” hasta el rock agresivo cercano al punk de “Helter Skelter” pasando por el swing de “Honey Pie”, el country de “Don’t pass me baby” (compuesta por Ringo) o los aires soul de “Savoy Truffle”, por poner algunos ejemplos.
Debido a su extensión es aconsejable digerirlo poco a poco y así disfrutar mejor de la esencia de cada letra, de cada acorde, de cada melodía. Os ánimo a que encontréis la canción que describa cada uno de vuestros estados de ánimo. Para mí, “I’m so tired” es la indolencia, “Revolution” la rabia, “Why don’t we do it in the road” el instinto, Sexy Sadie, la ternura, “Good night” la dulzura, “Everybody's Got Something To Hide Except Me And My Monkey” la incoherencia creativa...
Ahora bien, hay un par de momentos memorables. Uno que es tendente a la nostalgia se sigue emocionando con dos joyas acústicas a medio tiempo:
“Julia”, compuesta por John Lennon a su madre muerta cuando él tenía 14 años (se dice que a Yoko también), tiene una melodía envolvente aderezada con un arpegio de guitarra de reminiscencias oníricas.
http://www.youtube.com/watch?v=V5A2IAgyQEg
“Cry Baby Cry”, que aunque para Lennon fuera una porquería, para mí es una de las canciones más inspiradas de toda su discografía. Toda una delicia para los oídos: susurrante, melancólica, decadente, etérea…
“La reina, en su palacio, tocando el piano para los niños del rey…”
http://www.youtube.com/watch?v=3pFuZK0kJrk
Os dejo un enlace muy completito con información adicional y datos sobre The White Album.
(http://www.infonegocio.com/beatles/lp10_tb/lp10_tb.htm)
Que ustedes lo disfruten.
(Continuará)
The Beatles
22/12/2006
…siguiendo con la British Invasion hoy vamos a acercarnos al grupo de pop más grande de todos los tiempos.
Se han escrito tantas cosas sobre el cuarteto de Liverpool, que uno –al enfrentarse al folio en blanco- teme caer en generalidades y lugares comunes que dudo mucho resultasen interesantes al lector.
Por eso, como doy por hecho que todo el mundo ha escuchado alguna vez algún tema de los Beatles (si alguien no lo ha hecho que lo confiese aquí porque conozco sociólogos que le pagarían por someterle a un cuestionario) prefiero centrarme en compartir vivencias personales relacionadas con su música, sus discos, sus anécdotas…
Si ponéis la palabra “beatles” en el Google os salen 54.000.000 en 0.85 segundos.
Los Beatles cambiaron la historia, fueron revolucionarios en muchos aspectos, no sólo en lo musical. Recordemos, por ejemplo, que su "Sgt Peppers Lonely Hearts Club Band" tuvo una influencia descomunal en las bandas de la época (todavía vigente) y marcó el inicio del rock ácido, de la psicodelia, del disco conceptual (ya veremos que en ese aspecto la historia ha sido generosa con ellos, porque en realidad hay obras conceptuales anteriores a la edición de Sgt Peppers), del concepto de disco unitario concebido como una obra artística global en detrimento de los singles de 2 canciones que imperaban en la época.
Los Beatles fueron (son) Dios. El propio Lennon afirmó en una ocasión que eran más grandes que Jesuscristo. No le faltaba razón, aunque sus palabras provocaran una cadena de críticas mundiales que llegaron hasta el punto de prohibir su música en muchos países y quemar sus discos en público.
No recuerdo con exactitud cuándo fue la primera vez que los escuché, bueno, más bien que empecé a valorarlos. Posiblemente sería a principios de los 90, cuando empezó la moda (que aún sigue) de sacar recopilatorios de grandes éxitos o revisiones basadas en maquetas de John, de Paul o de George (Ringo cumplía una función más cómica en el grupo y apenas componía) que, remasterizadas y con nuevos arreglos del eterno productor George Martin, parecían sonar diferentes, aunque mí nunca me lo pareció.
En casa de mi abuela, mi primo me puso en una ocasión un EP (Extended Play de cuatro temas en lugar de los 2 que había en los singles) que contenía, que recuerde, The night befote y Back in the USSR. Las armonías vocales y la melodía me atraparon desde el primer momento. No son dos de sus canciones más representativas pero a mí me engancharon. Posteriormente vino el disco rojo, el disco azul, el blanco, Magical Mistery Tour, Beatles for sale, Rubber Soul, Revolver, el citado Sgt Peppers…y Abbey Road, para mí su mejor disco.
Ahora que vienen estas fechas tan entrañables, de comilonas y celebraciones, si realmente apreciáis a una persona y queréis hacerle un gran favor regaladle un disco de los Beatles. Ya sé que hay un recopilatorio (cómo no) llamado Love con sus mejores temas. No os lo aconsejo a no ser que la persona en cuestión lo único que tenga en su discoteca sean los discos de la galas de OT. Mi recomendación es, sin duda, cualquiera de su corta pero prolífica discografía oficial. Revolver o Rubber Soul pueden ser buenas opciones. Para más valientes Abbey Road o The White Album (dicen algunos que en su variedad musical se puede encontrar una gran parte de los estilos que marcaron los 70: punk, hard rock, rock progresivo, country-rock, soul, folk vocal). Para psicodélicos, Sgt Peppers, un álbum histórico.
Yo os dejo con un tema de referencias metafísicas.
http://www.mp3lyrics.org/b/beatles/the-end/
http://www.youtube.com/watch?v=ru4Cdpjlbic
Porque al final el amor que te llevas es igual que el amor que das…
BRITISH INVASION: Introducción
30/11/2006
Vamos a dar un salto importante. Volvemos a las Islas Británicas. Aunque seguimos moviéndonos por los primeros años 60. Los marinos americanos llegaban a los puertos de la costa Oeste, especialmente Liverpool, con viejos discos de jazz, blues e incipiente rock que hacían las delicias de los jóvenes británicos acostumbrados a la balada melódica de Cliff Richard, al folk o al skiffle (http://es.wikipedia.org/wiki/Skiffle).
Algunos de esos jóvenes llevaban por nombre John Winston (Lennon) o Richard Starkey, que posteriormente tuvieron mucho que decir en la historia de la música universal. Pero no precipitemos los acontecimientos, eso vendrá más adelante. De momento estamos con la importancia que tuvo la música negra americana en la aparición del pop inglés, la llamada British Invasion. Que en realidad el término hace referencia a que todos esos grupos ingleses acabaron invadiendo (conquistando más bien) el continente del que bebieron sus influencias. Como suele decirse en círculos musicales: los americanos inventaron el rock pero los ingleses les enseñaron a tocarlo.
Cientos de bandas empezaron a surgir a orillas del Mersey (río que baña Liverpool), de ahí que también se utilice el nombre de Mersey Sound o Mersey Beat. Pero también de Manchester, de Birmingham y, como no, Londres. Muchas de estas bandas desaparecieron en el olvido cuando el rock se hizo progresivo, ácido o sinfónico a finales de los 60. Pero los grandes nombres de la British Invasion han pervivido para siempre en los anales de la música, han pasado a la historia en definitiva.
Para curiosos avanzados en inglés os paso enlaces de sitios web que son auténticas referencias de nombres, canciones, álbumes, fechas…etc
http://www.allmusic.com/ y buscar en el apartado rock, en la parte inferior derecha aparace British Invasion y sus correspondientes géneros.
http://search.eb.com/britishinvasion/home.html
En lo musical destacan las melodías sencillas y pegadizas, la instrumentación básica (guitarra, bajo, batería y voces), la capacidad compositiva para condensar en apenas dos minutos y medio piezas maestras que atraparon –y atrapan- a generaciones enteras de jóvenes –y no tan jóvenes- ávidos de nuevas sensaciones alejadas de formalismos, de convencionalismos y de falta de emotividad.
Para finalizar esta breve introducción habría que decir que la British Invasion es el movimiento musical (aunque abarca también la moda, el diseño, el cine…) más importante que ha dado el pasado s.XX. Si alguno lo duda le daré simplemente tres nombres: The Beatles, The Rolling Stones y The Kinks.
(Continuará)
SOUL
27/10/2006
Mi primer contacto con la música soul vino a raíz del cine. Debía tener unos 13 años cuando un domingo por la noche, en la 2, vi una película sobre unos tipos que iban recolectando músicos para formar una banda de soul. Ni siquiera me acuerdo muy bien del argumento. Lo que si recuerdo con claridad es que la película desprendía energía, mucha energía. http://www.cinencanto.com/critic/m_commitments.htm
Por aquella época no le di mayor importancia. Pero diez años después, echando la vista atrás, me he dado cuenta de que esa película de argumento tópico marcó un importante punto de inflexión en mi vida: la pasión por la música negra.
El soul (alma en inglés) es una música racial, negra como no, asociada a la lucha de los negros americanos por sus derechos civiles. Un orgullo de raza que cantaba contra el racismo en favor de la integración social.
En términos estrictamente musicales, el soul es una evolución del rhythm and blues, que a su vez era una electrificación del blues rural y primigenio. Por decirlo en términos coloquiales, el soul añade optimismo al blues y potencia y energía al rhythm and blues.
El soul es también el estilo de las grandes voces negras de finales de los 50: Otis Reading, Sam Cooke, James Brown (en sus orígenes) y Ray Charles.
Ya es un clásico en el blog, una web para ampliar información...
http://www.terra.es/personal8/soulmusic/momentos.htm
Centrémonos en este último, sin desmerecer al resto. Hay un momento estelar, en otra película no menos mítica 'Granujas a todo ritmo' (¿quien sería el lumbreras que hizo una traducción tan pésima?), en el que Ray Charles (el verdadero), dueño de una tienda de instrumentos musicales se pone a tocar los primeros acordes al órgano hammond de un tema demoledor: Shake your tailfeather.
http://www.oldielyrics.com/lyrics/ray_charles/shake_your_tailfeather.html
http://www.youtube.com/watch?v=8gBRDHWZmuk&mode=related&search
(por favor no os fijéis en la rídicula coreografía y poned especial atención en los elementos musicales: el sonido oscuro del órgano, la potente entrada del trío de metales con un logrado arreglo vitalista que invita a mover "las plumas de la colita" sin parar , el bajo dibujando una enérgica base melódica contínua y la voz rasgada del maestro Ray.
Eso es soul, amigos: Continuará...
FUNK
11/10/2006
Me pasa un amigo (Stevie) una recomendación de noche funk...y como éste es un blog que pretende profundizar en las raíces de los estilos musicales qué mejor manera que ir a un directo para entender la potente y envolvente sonoridad del funk...
Stevie es uno de los padres del funk, un intrumentista versátil, laureado compositor y sobre todo sabe lo que dice.
Yo que vosotros le haría caso...(en la medida de lo posible)
Por cierto, ¿alguien conoce el chiste de Stevie?
GLAM
04/10/2006
Ahora que el Otoño ha decidido definitivamente quedarse entre nosotros, los días se acortan, los colores se tornan grises, ocres… voy yo y me saco de la manga el Glam. ¿Por qué? ¿Tiene algo que ver el Glam con el Otoño? No lo sé, tampoco hay que buscar respuestas a todo, eso sí, GLAM es algo más que una tienda fashion (y muy cara por cierto) de la calle Fuencarral.
Amigos que me seguís, la época Glam es a la historia de la música como un lifting a los 40, es decir: necesario, revitalizante y esperanzador. Posiblemente la comparación no sea muy acertada (de hecho no lo es), pero por suerte el Glam (Glam-Rock o Glitter-Rock como también se le conoce) es uno de los movimientos musicales estéticos que mejores músicos-artistas ha dado a la historia de nuestros inquietos oídos.
Como muchos movimientos musicales, el Glam surge en el Reino Unido, a principios de los 70, cuando The Beatles ya se habían separado, en Estados Unidos se había pasado la moda de la psicodelia y el rock ácido (verano del amor, flower power, Hendrix, Jefferson Airplane...) y había un sentimiento generalizado de que el rock debía buscar nuevos caminos. Grupos como Pink Floyd evolucionaron su psicodelia inicial hacia el rock progresivo, otros como Deep Purple convertían su Rhythm & Blues agresivo en los inicios del hard rock, el mito de Elvis seguía engordando al mismo ritmo que su grasa corporal y en general la década se inauguraba con un conjunto de tendencias tan dispares como estimulantes. (Si alguno se ha perdido… primero, que se encuentre y segundo, tranquilidad que todos estos estilos citados tendrán su apartado en este blog).
Posiblemente el Glam es el primer estilo musical en el que se empieza a dar importancia manifiesta a la estética. Tan importante era hacer buenas canciones como transmitir una imagen desenfadada, provocativa, irreverente o ambigua. Tacones, lentejuelas, maquillaje y brillo (glitter) mucho brillo llenaron los escenarios del rock.
(http://www.audiomusica.com/site/raices/glam.php)
Nombres como Brian Ferry, Lou Reed, Iggy Pop o mis preferidos Marc Bolan (T-Rex) y el camaleón Bowie se hicieron mundialmente famosos durante los años del Glam aunque cada uno siguió una evolución musical distinta nada que ver con el glitter. En España, con unos años de retraso (como siempre) durante los 80 hubo un revivalismo glammy con grupos como Alaska y los Pegamoides, Tino Casal y otros…pero como éste es un blog de raíces me vais a permitir que me centre en los pioneros.
Hay una canción de T-Rex (http://www.alohacriticon.com/alohapoprock/article310.html) que marcó mi adolescencia. Tenía un aire melancólico, indolente y reflejaba a la perfección todas aquellas preguntas que pasan por la cabeza de un adolescente enamorado del amor.
El tema se llama “Light of love” es altamente recomendable tanto en la letra como en la música. (http://www.lyricsondemand.com/t/trexlyrics/lightoflovelyrics.html)
Pero ni es la canción más representativa de T-Rex, ni tampoco del Glam rock. “Get it on” podría ser un mejor ejemplo histórico http://www.youtube.com/watch?v=A_80ii73dfQ
Aunque si tenemos que hablar de historia David Bowie es nuestro hombre. El genio que inventó un personaje como Ziggy Stardust (http://www.youtube.com/watch?v=RTVO03RyrK4) y que tenía un ojo de cada color logró emocionarnos con temas épicos y astrales (los que me gustan a mí) como Lady Stardust, Changes, Moonage Daydream o uno de mis favoritos de toda la década Space Odity, una canción que en el momento adecuado y con la compañía adecuada consigue erizarte los pelillos de la piel. Os la recomiendo. (http://www.lyricsdepot.com/david_bowie/space-oddity.html)
Por último y para que nos os quejéis de mi generosidad, (que sé que hay gente que incluso entra en los enlaces del blog) os facilito el título de una película que recoge toda la efervescencia musical de la época. Velvet Goldmine (http://www.cineismo.com/criticas/velvet_goldmine.htm) mejor banda sonora que película, pero interesante para entender un estilo que lamentablemente, desde que Suede se separó, ya no está muy de moda.
Saludos
JAZZ III: Jazz Vocal
15/09/2006
Admito que a la hora de decidir el estilo con el que comenzar el Otoño, he dudado por un segundo entre varias opciones. Al final, a pesar de lo recurrente del género, he vuelto a optar por el jazz.
Como sabéis los que me seguís (el caso de que alguno/a me siguiera/siguiese) el jazz es una amalgama de subgéneros. Aquí hemos tratado ya algunos de ellos, en realidad, nos da para varias anotaciones, pero en la actual quisiera centrarme en el jazz vocal.
No hay una época determinada en la que se pueda decir que comienza el jazz vocal. Es más en los orígenes del jazz (si recordáis) habíamos hablado de las "work songs" que son lamentos cantandos sin ningún acompañamiento instrumental. Es por ello que la voz, aunque no sea la característica principal del concepto tradicional que se tiene del jazz, siempre ha jugado un papel relevante.
Para los curiosos, como siempre, una web donde ampliar conocimientos. http://www.apoloybaco.com/estilosvocal.htm
Y para no caer en un excesivo revisionismo, mi recomendación musical esta vez es una vocalista de sonoridad excelsa y que actualmente constituye una de las figuras más destacadas del jazz. Se trata de Diana Krall.
A pesar de su fama de altiva, la canadiense, que también toca el piano, tiene una sensibilidad especial a la hora de interpretar estándares y sus propias composiciones. Uno de los que a mí personalmente me pone los pelos de punta es "Autumn Leaves". Muy otoñal.
http://www.zaycev.net/pages/47/4781.shtml
(La web es griega pero creo que se puede escuchar el tema)
Aunque si queréis haceros un homenaje con motivo del cambio de estación os recomiendo "When I look in your eyes" (1999) (http://musica.hispavista.com/disco/430) que contiene la tierna "I've got you under my skin" porque cuando las hojas caídas pueden reposar en algún corazón o bajo la piel...
Que lo disfrutéis.
